Der nackte Körper jenseits des männlichen Blicks

21.08.2023

Nackte Frauen mit geflochtenen Haaren, die von der Kamera wegschauen.

In ihrem Aufsatz für das kommende Fotografiska Berlin Magazine analysiert die Autorin Olamiju Fajemisin die Werke von sechs Künstlerinnen aus der Ausstellung “NUDE: From a female-identifying perspective”, einer der ersten von drei Eröffnungsausstellungen im Fotografiska Berlin.

Die historisch geschlechtsspezifischen und politischen Aspekte von Kunstwerken mit Abbildungen von Frauen bilden das Fundament unserer zeitgenössischen Scham-belasteten Gesellschaft.

Auf der einen Seite führen soziale und technologische Entwicklungen dazu, dass das Bild des nackten weiblichen Körpers selbstbestimmt geschaffen wird und nicht mehr zwangsläufig der Objektivierung dient. Auf der anderen Seite wird die nackte Frau als Symbol weiterhin unter dem späten Kapitalismus ausgebeutet: Sex sells, und so weiter.

NUDE, eine von drei Ausstellungen zur Eröffnung von Fotografiska Berlin, untersucht den aktuellen Zustand der Nacktheit in zeitgenössischer Fotografie und verwandten Kunstwerken von 30 selbst identifizierten Künstlerinnen aus verschiedenen Kontinenten. Zu den Künstlerinnen gehören unter anderem Carlota Guerrero (*1989, Spanien), Laila Majid (*1996, Pakistan), Evelyn Bencicova (*1992, Slowakei), Angélica Dass (*1979, Rio de Janeiro), Momo Okabe (*1981, Japan) und Joana Choumali (*1974, Elfenbeinküste).

Die Künstlerinnen haben verschiedene Stile, Ideen und Möglichkeiten, ihre Werke zu teilen, aber sie alle verbindet, wie sie den menschlichen Körper darstellen: auf respektvolle und ästhetische Art und Weise.

Carlota Guerrero
In den Werken der autodidaktischen Fotografin Carlota Guerrero, die in Barcelona geboren wurde und dort immer noch lebt, werden Gruppen von Frauen vor ihre Linse gebracht, um einfache Handlungen der Gemeinsamkeit auszuführen – bewegen, berühren, rennen, tanzen – oft mit minimalistischer, nackttoniger Kleidung. Da ihre Bilder stark in sozialen Medien und online kursieren.

Guerrero arbeitete zuvor mit der Musikerin Solange zusammen, um die visuellen Elemente für ihr drittes Studioalbum A Seat at the Table, 2016, zu realisieren – haben ihre Bilder von Frauen eine Generation von Nachahmern inspiriert. Bei dieser Gelegenheit werden Arbeiten aus Organismo formado por mujeres von 2019 gezeigt. Guerrero erklärt ihre Faszination für das „Organismus“-Konzept als eine Projektion ihres Geistes, etwas, das sie sich als „neues Tier vorstellt, das aus den Körpern besteht, die sich gegenseitig zurückfüttern, als ob jede Frau ein Organ oder eine Zelle wäre, die sich mit den anderen verbindet und ein ganzes Wesen bildet.“

Laila Majid
Die in Pakistan geborene und derzeit in Großbritannien ansässige Künstlerin Laila Majid beschwört in ihren Werken Körperhorror in verschiedenen Medien im Zusammenhang mit Körperpolitik. Ihre häufige Verwendung von Latex, mit seiner abjekten Textur und nicht identifizierbaren schmatzenden Flüssigkeiten zwischen ihren Material- und Fotowerken, fördert das Verlangen nach haptischen Begegnungen. Beim Betrachten von wet sock, 2020, einem digitalen Bild, das einen Fuß zeigt, der auf den Zehenspitzen steht und mit einem dicken, durchsichtigen, speichelflüssigen Schleim durchtränkt ist, könnte man fast vor Ekel zusammenzucken. Eine seltsame Sinnlichkeit zeigt sich bei Rosie, 2019: Die Haut einer abgetrennten Wade zeigt rote Markierungen. Sind die Schuhe zu eng geschnürt? „Der Körper ist voller Möglichkeiten,“ bemerkte Majid in einem Interview mit dem Coeval Magazin über ihre faszinierte Beschäftigung mit der menschlichen Haut.

Evelyn Bencicova
Die Slovakische Künstlerin Evelyn Bencicova entwickelte ihren Stil aus gleichzeitigen Interessen an zeitgenössischer Kultur sowie akademischer und kunsthistorischer Forschung. (Nehmen wir als Beispiel eine frühere Fotoserie, an)organic, bei der lebende domestizierbare Tiere – darunter eine Sphynx-Katze, ein englischer Bullterrier, eine gelbe und milchfarbene burmesische Python, haarlose Ratten und rotäugige Mäuse – neben Milchflaschen, Blumen, Glaswaren und rohem Essen – Fisch und Gemüse – arrangiert sind und so verstärkte Stillleben entstehen). In der späteren Serie Ecce homo von 2015 türmen sich nackte Frauen übereinander und bilden geometrische und entspannte Formen, die ihre Gesichter und Genitalien vor sterilen Kulissen von leeren Pools, Büros und Klassenzimmern verbergen. Ihr neuestes Werk Æther von 2023 ist ein audiovisuelles Projekt, das in Zusammenarbeit mit Samson G. Balfour von Screenoise entstand. Es entfaltet sich als komplexe Landkarte von Erinnerungen, Illusionen und erzählerischen Strängen, wobei die Geschichte von einem Protagonisten-Avatar navigiert wird, der der Künstlerin ähnelt. Bencicovas Arbeit dient als Neuerzählung des Ursprungs der abrahamitischen Religionen und zielt darauf ab, Frauen symbolisch von den Lasten der „Sünde, Schande und Schuld“ zu befreien, die ihnen ungerechterweise auferlegt und durch religiöse Überzeugungen gerechtfertigt wurden.

Ein Schwarz-Weiß-Bild, das den Rücken einer Person in Nahaufnahme zeigt.

Angélica Dass
Als hauptsächlich als Porträtfotografin tätige Künstlerin begann die in Rio de Janeiro geborene und in Madrid ansässige Angélica Dass 2012 das fotografische Projekt Humanae. In diesem Projekt erstellt sie Bilder ihrer Protagonisten, die direkt in die Kamera schauen, von unten gesehen, und ohne Kleidung. In der Nachbearbeitung gleicht sie eine Auswahl von Pixeln von der Haut der Person mit Farbkarten aus dem Pantone-System ab. Die kachelartigen Bilder werden schließlich zu farbfeldartigen Rastern zusammengesetzt und zeigen Modelle jeden Alters, die nicht benannt oder näher beschrieben werden, sondern nur durch ihren entsprechenden Pantone-Code identifiziert werden. Es gibt beispielsweise die Codes PANTONE 322-4 C und PANTONE 65-7 C und so weiter. Die Sublimierung der Identität der Modelle zu einem von einem Unternehmen entwickelten Codesystem, das nur auf elf mal elf Pixel große Hautflecken abgestimmt ist, ist ein Zeugnis für Dass’ polemischen Kampf gegen die rassistische Kategorisierung. Durch die Verwendung eines Systems wie Pantone deckt Dass die klaffenden Lücken (und Überschneidungen) in der Logik der auf dem Hautton basierenden Unterscheidung und Diskriminierung auf.

Joana Choumali
Ähnlich verschleiert die Ivorische Künstlerin Joana Choumali sowohl ihre eigene Identität als auch die ihrer Protagonisten in ihren Werken. Bestickte Eingriffe in die Oberflächen ihrer collagierten Bilder schaffen texturierte Landschaften aus ihrer Vorstellungskraft, wie zum Beispiel in Only for Your Good von 2020, das zwei riesige Frauen zeigt, die eine Brücke über Wasser überqueren. Ihr neuestes Werk Awoulaba / Taille fine von 2013-2015 erforscht die komplexen Vorstellungen der zeitgenössischen westafrikanischen Weiblichkeit. Das Werk umfasst Dokumentationen von Schaufensterpuppenherstellern in der Elfenbeinküste, deren Ziel es ist, eine sogenannte „ideale“ Form mit breiten Hüften und vollen Brüsten und Armen zu produzieren. Diese spezifische Form der Schaufensterpuppe wird Awoulaba genannt, was auf Baule „Schönheitskönigin“ bedeutet. Indem sie die Produktion dieser Objekte hervorhebt, lenkt Choumali die Aufmerksamkeit von der Vorstellung des „realen“ Selbst ab und konzentriert sich stattdessen auf das abstrahierende Potenzial einer solchen Darstellung.

Eine nackte Frau posiert in leuchtenden Farben.

Momo Okabe
Ebenso lenkt die Fotografin Momo Okabe die Aufmerksamkeit auf das Selbst, indem sie ihre Autobiografie in Bildern dokumentiert. Als vielleicht eine der am meisten selbstverleugnenden Künstlerinnen unter den Teilnehmenden verbrachte sie über zwei Jahrzehnte damit, ein Archiv von persönlichen Bildern aufzubauen, durch das sie ihre persönliche Beziehung zu Romanzen, Fortpflanzung und Trauer erforscht, insbesondere im Zusammenhang mit ihrer asexuellen und geschlechtlichen Identität. Getränkt in gesättigten Gelb-, Orange- und Pinktönen, sind Okabes Bilder natürliche Momentaufnahmen oft ungekünstelter Szenen. Die konsequente Dokumentation ihrer transsexuellen Liebhaberinnen und Kolleginnen durch die Künstlerin entlarvt Mythen über die Nacktheit in der Fotografie als Ausbeutung und schafft stattdessen eine Wirkung der Bestätigung und Intimität.

Die jeweiligen Bestrebungen der Künstlerinnen, Bilder von marginalisierten Körpern nackt zu dokumentieren und zu verbreiten, verfolgen sich in überlappenden persönlichen und politischen Zusammenhängen, die eine kollektive Betrachtungserfahrung der Werke ergänzen und bereichern. Hier wird der Diskurs über Nacktheit versus Akt-Sein in den Augen und Kameraobjektiven von Künstlerinnen wiederhergestellt.